Antonello da Messina é um famoso artista italiano. No início da Renascença, ele representou a escola de pintura do sul. Ele era professor de Girolamo Alibrandi, chamado Rafael Rafael Messiniano. Para obter profundidade de cor em retratos nítidos e pinturas poéticas, ele aplicou a técnica de pintura a óleo. No artigo, prestaremos atenção a uma breve biografia do artista e detalharemos suas obras com mais detalhes.
Representante da nova direção
Muitas informações sobre a vida de Antonello da Messina são controversas, duvidosas ou perdidas. Mas é claro que foi ele quem demonstrou as possibilidades luminosas da pintura a óleo para artistas venezianos. Assim, o italiano lançou as bases para uma das principais áreas da arte da Europa Ocidental. Seguindo o exemplo de muitos outros artistas da época, Antonello combinou a tradição holandesa de transmissão opticamente precisa de detalhes de imagens com as inovações pitorescas dos italianos.
Os historiadores descobriram um registro de que em 1456 o herói deste artigo teve um aluno. Ou seja, provavelmente, o pintor nasceu antes de 1430. O Colantônio Neopolitan foi o primeiro professor de Antonello da Messina, cujas obras serão descritas abaixo. Este fato confirma a mensagem de J. Vasari. Naquela época, Nápoles estava sob a influência cultural da Península Ibérica, na Holanda e na França, em vez do norte da Itália e da Toscana. Sob a influência do trabalho de Van Eyck e seus apoiadores, o interesse pela pintura aumentava a cada dia. Corria o boato de que o herói deste artigo aprendeu a técnica da pintura a óleo com ele.
Mestre de retrato
De nascimento, Antonello da Messina era italiano, mas de acordo com sua educação artística, ele fazia parte das tradições pitorescas do norte da Europa. Ele pintou belamente retratos, que representaram quase trinta por cento de suas obras sobreviventes. Geralmente Antonello retratava o baú e o close-up do modelo. Nesse caso, os ombros e a cabeça foram colocados contra um fundo escuro. Às vezes, em primeiro plano, o artista pintava um parapeito com um cartellino (um pequeno pedaço de papel com uma inscrição). A precisão ilusionística e a graficidade na transmissão desses detalhes indicam que eles são de origem holandesa.
"Retrato masculino"
Esta pintura foi pintada por Antonello da Messina em 1474-1475. é um dos seus melhores trabalhos. A paleta do mestre é limitada a traços marrons, pretos e individuais saturados de carne e branco. A exceção é o chapéu vermelho, complementado por uma faixa vermelha escura da parte inferior do vestido. O mundo interior do modelo pintado praticamente não é divulgado. Mas o rosto irradia inteligência e energia. Antonello modelou muito bem seu claro-escuro. As características faciais nítidas combinadas com o jogo da luz dão à obra de Antonello uma expressão quase escultural.
"Este é um homem."
Os retratos do italiano atraem o espectador com uma superfície brilhante e brilhante e formato de câmera. E quando da Messina transfere essas qualidades para a pintura religiosa (a pintura “Este é um homem”), então a visão do sofrimento humano torna-se terrivelmente torturante.
Com lágrimas no rosto e uma corda no pescoço, o Cristo nu olha intensamente para o espectador. Sua figura preenche quase todo o campo da tela. A interpretação da trama é um pouco diferente do tema da pintura de ícones. O italiano procurou transmitir realmente a imagem psicológica e física de Cristo. É isso que faz o espectador se concentrar no significado do sofrimento de Jesus.
“Maria Annunziata”, de Antonello da Messina
Este trabalho, em contraste com a imagem "Este é um homem", tem um humor completamente diferente. Mas do espectador, ela também exige experiência interior e participação emocional. Quanto à Maria Annunziata, Antonello coloca o espectador no lugar do arcanjo no espaço. Isso dá uma sensação de cumplicidade mental. A Virgem Maria, sentada no estande de música, com a mão esquerda segura a capa azul jogada sobre ela, e ela levanta a outra mão. A mulher é completamente calma e atenciosa, sua cabeça uniformemente iluminada e esculpida como se irradia luz contra o fundo escuro da imagem.
Maria Annunziata não é o único retrato de busto de uma mulher pintada por Antonello da Messina. “A Anunciação” é o nome de outra tela semelhante da pintora, que retrata a mesma Virgem Maria, apenas em uma posição diferente: ela segura o véu azul com as duas mãos.
Nas duas pinturas, o artista tentou expressar um sentimento da conexão espiritual de uma mulher com poderes superiores. Sua expressão facial, a pose das mãos e da cabeça, bem como o olhar, dizem ao espectador que Maria agora está longe do mundo mortal. Um fundo preto de pinturas enfatiza apenas o desapego da Virgem.
"St. Jerome na cela "
Nas figuras acima, não há sequer um interesse mínimo no problema de transferência do espaço circundante. Mas em outros trabalhos, o pintor a esse respeito significativamente antes de seu tempo. Na pintura "St. Jerome in the cell ”retrata um santo lendo em uma estante de música. Seu escritório está localizado dentro do salão gótico, na parede traseira, cujas janelas são cortadas em dois andares. Em primeiro plano, a imagem é emoldurada por uma borda e um arco. Eles são percebidos como um proskenium (uma técnica comum na arte de países localizados ao norte dos Alpes). A cor mostarda da pedra enfatiza o contraste de sombra e luz dentro de uma sala tipo caverna. Os detalhes da imagem (paisagem à distância, pássaros, objetos nas prateleiras) são transmitidos com um alto grau de precisão. Este efeito só pode ser alcançado aplicando tinta a óleo com pinceladas bastante pequenas. Mas a vantagem mais importante da pintura de Messina ainda não está na transferência confiável de detalhes, mas na unidade estilística do ambiente e da luz do ar.
Altar monumental
Nos anos 1475-1476. o artista viveu em Veneza. Lá, ele pintou um altar magnífico para a igreja de San Cassiano. Infelizmente, até hoje apenas sua parte central foi preservada, representando a Madonna e a Criança subindo no trono. Em ambos os lados estão os santos. Este altar pertence ao tipo de conversão sacra. Ou seja, Madonna, Child e os santos estão no mesmo espaço. E este é o oposto na forma de um políptico dividido em partes. A reconstrução do altar monumental foi baseada nas obras posteriores de Giovanni Bellini.
Pieta e a crucificação
A pintura a óleo de Antonello, ou melhor, a capacidade de transmitir iluminação com essa técnica, foi muito apreciada por seus colegas artistas. Desde então, o colorismo veneziano se baseou unicamente no desenvolvimento do grande potencial de uma nova direção. Os trabalhos de Messina do período veneziano têm a mesma tendência conceitual que seus trabalhos anteriores. A pintura fortemente apagada "Pieta", mesmo em um estado tão danificado, enche o público com um intenso senso de compaixão. Na tampa da tumba há três anjos segurando o corpo de Cristo com asas pontiagudas. O artista retratou uma figura central em close.
É como se pressionado contra a superfície da tela. A empatia com o sofrimento retratado - foi o que, usando a técnica acima, procurou Antonello da Messina. "Crucificação" é outra imagem do pintor. O tema é semelhante ao Pieta. A tela mostra Jesus crucificado na cruz. Maria senta-se à sua direita e o apóstolo João à sua esquerda. Como Pieta, a tela visa evocar empatia com o espectador.
"São Sebastião"
Esta imagem é um exemplo de como Antonello competiu no retrato de nudez heróica e na habilidade de transmitir uma perspectiva linear com seus colegas do norte da Itália. No fundo de uma praça pavimentada de pedra, o corpo de um santo perfurado por flechas assume enormes dimensões. O espaço profundo, o fragmento da coluna em primeiro plano e a perspectiva com um ponto de fuga muito baixo afirmam que o pintor usou os princípios da geometria euclidiana na construção da composição.
